Театр мейерхольда в москве: репертуар, актеры, адрес

Сцены и афиша театра

У Большого театра три сцены: Историческая, Новая и Бетховенская. Если вы планируете посещение театра и хотите увидеть не только балет или оперу, но и знаменитое здание театра, его пышный зал, вам стоит выбирать спектакли, идущие на Исторической сцене. Новая сцена была построена в 2002 году и располагается в отдельном здании, слева от исторического. Бетховенская сцена появилась после реконструкции 2011 года и находится в историческом здании Большого театра, на -2 этаже. Сегодня на этой сцене проходят концерты и спектакли для детей.

Спектакли в Большом театре идут блоками. Например, балет «Щелкунчик» показывают только зимой, во второй половине декабря, захватывая иногда январские каникулы (в каждом сезоне своя афиша). Знаменитое «Лебединое озеро» последние три года дают осенью (главным образом в сентябре) и в январе.

Продажа билетов на спектакли на Исторической и Новой сценах начинается за три месяца, на Бетховенской — за два. Сначала идёт предварительная продажа в кассах театра, и только оставшиеся после предварительной продажи билеты реализуются через сайт и официальных распространителей. Спрос на билеты на знаковые постановки огромный, и места на многих балетах часто заканчиваются уже на этапе предварительной продажи.

Шаляпин открыл лавочку

Непременными спутниками Большого театра 100 лет назад были перекупщики билетов – барышники. Полиция с ними обыкновенно боролась, но чаще побеждали барышники. За билеты на спектакли с участием Собинова, Шаляпина драли втридорога.

Стоило только человеку подойти поближе к театру, как барышник предлагал потенциальному зрителю свои услуги. Если человек соглашался, второй барышник пулей мчался в ресторан Вильде за Большим театром, где на случай облавы собирались и держали билеты перекупщики. Городовые тоже были не в обиде.

Белое фойе Большого театра

Однажды Федор Иванович Шаляпин решил проучить спекулянтов. Узнав, что все билеты на его бенефис раскуплены барышниками, певец придумал напечатать в газетах объявление о том, что билеты на его спектакль можно получить у него на квартире.

Желающих оказалось много, и все они пришли к нему в дом. Но Шаляпин был доволен: ведь те, кого он хотел видеть в зале – представители небогатой московской интеллигенции, – попали на его бенефис. Только газетчики его огорчили, написав: «Шаляпин открыл лавочку!»

Свой последний спектакль императорский Большой театр дал 28 февраля 1917 г. А 13 марта он уже назывался «государственным», но это совсем другая история…

Александр Васькин, “Вечерняя Москва”

А вы знали?

Представляем вниманию читателя еще некоторые занимательные факты из истории театрального искусства.

Во времена, когда Пушкин был жив, театры в России были не полностью сидячими. Дальние ряды занимали люди, стоящие на ногах все представление.

Знаковой пьесой в истории российского театрального искусства является «Недоросль» Д. И. Фонвизина, ставшая первой попыткой высмеять чиновников, дворян, типичных персонажей XVIII века. Стародума (положительного персонажа) первым сыграл как раз упомянутый выше Дмитревский.

В 1803 году императорские театры были разделены. Появились драматическая и музыкальная труппы, оперная и балетная, как части музыкальной. Господство французской школы игры на российской сцене продлилось вплоть до XIX века. Именно тогда русский театр, наконец, встал на ноги и пошел по собственному пути. Перенятый опыт стал хорошей базой, а открытие новых талантливых русских композиторов, актеров, танцоров подняло театр на высокий уровень.

П. Н. Арапов стал первым, кто описал всю историю русского театра в одной энциклопедии – «Летописи русского театра». Появляются театральны журналы и профессиональные критики. Таким образом, развитие театра дало толчок, в том числе, и русской литературе.

Роль зрителей

Если зрители могут включаться в разговоры и действия в спектакле, то в нем нельзя использовать только те сценарии, которые драматурги написали заранее, а актеры выучили наизусть. Приходится заимствовать техники из жанров, в которых давно разрабатывают интерактивность.

Так, в пособии по созданию сценариев для иммерсивных спектаклей Нандита Дайнеш рассказывает, что изучила пять форм интерактивных скриптов:

упражнения в пособиях по изучению иностранного языка;
настольные ролевые игры;
обучающие симуляторы для будущих медсестер;
уличные тренинги для команд и лидеров;
образовательные тренинги для волонтеров Красного Креста.

Но больше всего ей помогло обращение к LARP — ролевым играм живого действия. LARP’ы особенно распространены в среде реконструкторов, толкиенистов, в закрытых субкультурных сообществах. Но последнее время они проникают и в искусство.

LARP предполагает, что ролевая игра проходит в физическом пространстве и может тянуться долго, до нескольких дней. Организаторы продумывают материальную сторону игры, задействуют разные каналы восприятия. Игроки перевоплощаются в персонажей, общаются друг с другом от их имени, но, как правило, в строго заданных рамках.

В целом сценарии для LARP’ов делятся на три части: подготовительные инструкции, фрагменты для игры и протоколы так называемого дебрифинга — коллективного осмысления того, что случилось за время игры, уже не от лица персонажей, а от собственного лица.

На этой основе Дайнеш выделяет семь разделов, из которых может состоять пьеса для иммерсивного спектакля:

инструкции по подготовке зрителей и кастинга исполнителей;
синопсис сценария;
необходимый реквизит;
описания персонажей, которых будут играть исполнители и зрители (точнее, Дайнеш пользуется словом «зритель-актер» — spect-actor вместо spectator, — которое предложил Аугусто Боаль, создатель форум-театра, еще одной техники включения зрителей в заранее продуманное театральное действие); возможно, анкеты, которые помогут детализировать образы;
отдельные сцены с диалогами и таймлайн, по которому они могут разворачиваться;
матрица возможных зрительских действий и инструкции, как откликаться исполнителям на каждое из них;
инструкция для дебрифинга.

Еще один протокол, особенно подробно разработанный в LARP-культуре, — это протокол зрительского согласия. Перед игрой участникам часто задают вопросы, по которым нужно прийти к единому мнению:

позволено ли повышать голос?
позволено ли дотрагиваться друг до друга?

и тому подобные.

Парадокс о зрителе

В целом главная особенность иммерсивных спектаклей — зрительская активность (или включенность, погруженность) и количество выборов, которые зрителям приходится совершать. Это и выбор, куда пойти, и выбор, насколько подробно изучать пространство и историю, и выбор, как действовать по отношению к другим зрителям и актерам. Вторая особенность — интенсивность опыта: он сильнее, если зрители становятся активными участниками действия.

Когда жанр только зарождался, казалось, что сочетание этих свойств гарантирует: если спектакль иммерсивный, то он ближе к демократической утопии и свободе, чем любой спектакль на сцене. Но вот, например, анонс иммерсивного шоу театра Crave под названием What Women Want (2019 год): «Каждый номер открывает новые грани притягательных женских образов и вовлекает зрителя в исследование женственности и сексуальности в контексте современной повседневности через призму мужского взгляда». А вот что говорит Федор Елютин, продюсер и глава компании «Импресарио», которая уже несколько лет возит в Россию громкие зарубежные иммерсивные спектакли, в том числе Remote X: «Если я называю событие „спектаклем“, то могу продавать на него билеты за пять тысяч рублей. На „экскурсию“ — не могу».

Начало

В Афинах V века до н. э. театральные представления были неотъемлемой частью религиозных праздников. Шествия со статуей Диониса сопровождались веселыми песнопениями и драматическими играми. Можно сказать, что история афинского театра начиналась как художественная самодеятельность для небольшого количества зевак. Первоначально ставились только трагедии, комедии стали показывать позднее. Примечательно, что пьесы, как правило, показывали только один раз. Это стимулировало авторов на создание актуальных, интересных произведений. Драматург не только писал пьесу, он был полноценным участником представления, выполнял роли: режиссера, композитора, балетмейстера и даже актера. Естественно, это были исключительно талантливейшие люди.

А вот чтобы стать хорегом (руководителем хора), большого таланта не требовалось. Нужны были только деньги и связи с государственными служащими. Основной обязанностью хорега была оплата счетов, полное материальное обеспечение и поддержка театра. Он был в те времена местом состязания, побеждали в нем хорег, поэт и протагонист. Победителей увенчивали плющом, награждали призами. Победа отдавалась им по решению жюри.

Интересен тот факт, что древние римляне были настоящими фанатами реализма. Идеальной считалась постановка, в которой актер вживался в роль на 100% — при необходимости, он должен был быть готов даже умереть.

В греческом театре не было крыши, зрители и актеры находились, фактически, на улице. Размеры античных театров были огромны, они вмещали от 17 до 44 тысяч человек. Сначала для усадки зрителей использовались деревянные помосты, затем под театр приспосабливали естественные каменные склоны. И только потом, в IV веке до н. э., был построен каменный театр.

Вам наверняка интересно будет знать, что правительство, начиная с Перикла, давало возможность посетить театр и приобщиться к прекрасному даже материально не обеспеченным гражданам. Для этого каждому выделялась субсидия на один визит в театр, а в дальнейшем и на три посещения.

История древнего театра имеет одну характерную особенность: актеры играли свои роли без помощи собственной мимики. Ее заменяли всевозможные маски, часто весьма гротескные

Большое внимание актер уделял движениям тела, одежде. Актерами были мужчины, даже на женские роли

Они занимали привилегированное положение в обществе, освобождались от налогов.

Интересным является тот факт, что Ливий Андроник, древнеримский драматург, стал отцом первой в мире «фонограммы». Он остался без голоса, но вышел из положения, найдя мальчика, говорившего за него.

Интерьеры театра

Большое внимание Альберт Кавос уделил зрительному залу. Он был создан шестиярусным на 2300 зрителей

В плане зал похож на скрипку, сужаясь там, где располагается оркестр. Кавос был гениальным акустиком: каждый элемент декора у него работал на звук. Он придумал много необычных решений: все панели в зале сделали из резонансной ели, из которой изготавливают скрипки, виолончели и гитары. Лепнина на балконах была выполнена не из гипса, а из папье-маше, которое не только не поглощает звук, но и усиливает его. В зале было устроено множество акустических полостей. В ходе реконструкции исторического здания театра 2005-2011 годов декор зрительного зала, вплоть до тканевой обивки, был полностью восстановлен.

Интерьер зала представляет собой изящное соединение ренессанса с византийским стилем, построенное на сочетании белого, золотого и ярко малинового цветов. Безусловное его украшение – величественная хрустальная люстра. Её создали во Франции специально для Большого театра в 1863-м году (тогда она была с газовыми рожками). Вес люстры – 2,2 тонн, высота – 9 метров, диаметр – 6 метров. У люстры несколько десятков тысяч хрустальных элементов. Через 30 лет после создания ее рожки переделали на электрические светильники, и в этом виде люстра дожила до наших дней.

Вокруг люстры — изящная роспись «Аполлон и музы». Её создал в XIX веке академик живописи А. Титов. Кстати, художник, в своей росписи схитрил: заменил одну из канонических муз, Полигимнию (музу гимнов), на выдуманную им Музу живописи. Вы увидите её с палитрой и кистью в руках.

Во время реконструкции Большого театра было восстановлено величие помещений анфилады зрительного зала: Главного вестибюля, Белого фойе, Хорового, Экспозиционного, Круглого и Бетховенского залов. В Белом фойе восстановлена роспись потолков. Кажется, что это ажурная лепнина, но это оптический обман, созданный живописью в технике гризайль. По центру Белого фойе — вход в императорскую ложу. Над его дверьми сейчас можно увидеть вензель последнего императора России, Николая II: сплетение буквы «H» и римской цифры «два» — II.

Бетховеновский и Круглый залы поражают своим великолепием. Сегодня мы видим их именно такими, как они были в 1895-м году, когда их обновили к коронации Николая II. Бетховенскому залу вернули утраченную в советское время императорскую символику. Стены зала обтянуты тканью красного цвета, для воссоздания которой потребовалось почти 5 лет исследовательской и реставрационной работы. Красный атлас вручную ткали по технологиям XIX века на жаккардовых станках. В день на таком станке выходило не более 5-6 сантиметров ткани. Всего же для Бетховенского и Круглого залов изготовили чуть более 700 метров полотна.

XX век и наши дни

Начало XX века стало настоящим испытанием для Малого театра. В эпоху распространения новых направлений театрального искусства руководство Малого продолжало удерживать курс на сохранение традиций. Сразу после революции при театре была открыта спецшкола, которая спустя какое-то время стала Высшим театральным училищем имени Щепкина. Молодая советская власть хотела распустить труппу Малого театра, уничтожив тем самым «пережитки прошлого». К счастью, старейший театр удалось сохранить. До войны на его сцене шли исключительно классические постановки. Во время Великой Отечественной войны Малый театр продолжал работать. Артисты принимали активное участие в работе фронтовых бригад, которые выступали в воинских частях и госпиталях. С 1943 года Малый театр давал представления на передовой во время затишья между боями. В начале 90-х Малому театру был присвоен статус особо ценного объекта национального культурного наследия России.

По остаточному принципу

Больше пожаров здесь не случалось. Разве что горели некоторые премьеры – в переносном, конечно, смысле. Дело в том, что имевшаяся в Большом театре императорская ложа заполнялась царской семьей редко, как правило, лишь в дни коронации российских самодержцев, приезжавших для этого в Москву

Все государственное внимание обращено было к столичному Мариинскому театру

М. Зичи. Зрительный зал в день открытия Большого театра во время визита императора Александра II, 1856 год

Большой же финансировался по остаточному принципу. По меткому выражению историка В. Зарубина, долгие годы Большой театр оставался пасынком Дирекции императорских театров. Оркестром руководили нередко люди посредственные, по своему дурному вкусу перекраивавшие партитуру; теноров заставляли петь басовые партии, а баритонов – партии теноров и т. д.

Декорации и костюмы не обновлялись десятилетиями. А в 1882 г. балетную труппу и вовсе сократили в два раза как провинциальную. Расцвет Большого театра пришелся на последние десятилетия XIX в. и связан он с первыми постановками опер Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина, Чайковского.

Здесь в марте 1881 г. состоялась премьера «Евгения Онегина». И хотя самый большой успех у зрителей снискали куплеты Трике, а декорации набрали из старых спектаклей, на Петра Ильича все-таки надели лавровый венок. Крупным событием в жизни театра стала и дирижерская деятельность Рахманинова в 1904–1906 гг. В это время афиши украшали имена Шаляпина, Собинова, Неждановой и других талантливых певцов.

Логистика передвижений и нарратив

Словарь сайт-специфического искусства акцентирует наше внимание на том, как спектакль взаимодействует с окружающим пространством

Но не менее важно, как это пространство устроено внутри и как оно разворачивается перед зрителями во времени. Исследовательница Барбара Гронау выделяет три типа организации иммерсивных пространств:

Исследовательница Барбара Гронау выделяет три типа организации иммерсивных пространств:

маршруты со станциями — зрители могут перемещаться по локациям в одной группе или по принципу карусели (когда их делят на несколько групп, и они проходят локации в разной последовательности);
пространства, в которых можно бродить, — когда все зрители в любой момент могут зайти в любую точку пространства;
лабиринты — или, шире, пространства, в которых можно заблудиться (так сложно они устроены), и это чувство потерянности, возникающее у зрителей, можно рассматривать как художественный эффект.

Логистика определяет и способ, которым в спектакле будет рассказана история, — как ни странно, в иммерсивном театре часто рассказывают истории. Но сюжет обычно сконструирован не линейно, а более сложно, примерно как в компьютерных играх. Поэтому исследователь Генри Дженкинс предлагает говорить о «нарративных архитектурах» — и выделяет четыре их типа:

взывающие к воспоминаниям (evocative) — они напоминают зрителям об уже знакомым им мирах, вымышленных или реальных, и погружают в историю, которая всплывает в памяти благодаря узнаваемым элементам;
разыгрываемые (enacted) — они требуют от зрителей участия в истории по заранее подготовленным протоколам;
встроенные (embedded) — они призывают исследовать пространство в поисках записок, улик, аудиоотрывков и собрать из этих фрагментов историю; часто создатели продумывают подсказки, которые укажут на местоположение фрагментов (световые сцены, звуки, словесные намеки);
эмерджентные (emergent) — этот тип похож на «разыгрываемые», но отличается тем, что не требует отыграть заданную схему и не стремится к заранее определенному финалу; Дженкинс приводит в пример игру Sims, которая может быть «фрустрирующей, как сама жизнь».

Но бывает, что в иммерсивных спектаклях вовсе нет нарратива — авторы больше хотят, чтобы у зрителей появился новый чувственный опыт. Так происходит, например, в «Квартире», но бывают и другие похожие стратегии. Их точно описывает исследовательница Клер Бишоп в своей классификации арт-инсталляций:

сцены «сна/грез» — инсталляции или спектакли, стремящиеся вызвать у зрителей переживания, образы, чувства, которые предположительно мог бы испытывать герой действа, — зрителей как бы втягивают в чужой мир;

сцены «повышенной чувствительности» — спектакли, которые обращаются к собственным чувствам зрителей, но акцентируют их внимание на том, что вне спектакля остается незаметным, будь то визуальная, аудиальная, кинестетическая или ольфакторная информация;

сцены «миметического поглощения» — спектакли, которые дезориентируют зрителей, расщепляют их субъектность и таким образом ставят привычное восприятие под вопрос, например с помощью игры с масштабом, светом, зеркалами;
и, наконец, инсталляции и спектакли, в которых зрителям отводится активная роль: нужно принимать решения, действовать политически и т. п.

Но прежде чем поговорить о них, давайте рассмотрим еще один вид иммерсивных спектаклей, сфокусированных на чувственном опыте.

История создания театра

Начинался Большой театр в далеком 1771 году. Его появлением на свет мы обязаны прокурору Петру Урусову, которому Екатерина II жаловала привилегию на содержание спектаклей, балов, маскарадов и прочих увеселений. Первое название театра было Петровский, по улице Петровка в центре Москвы. Петр Урусов привлек к проекту англичанина Майкла Меддокса. В 19 лет тот приехал в Россию, занимался здесь артистической деятельностью (эквилибристика) и руководил «музеем механических представлений». Однако владельцы Петровского театра не вылезали из долгов, а в 1805 году театр вообще сгорел и со всеми долгами перешел в собственность государства. Почти 20 лет после пожара труппа Петровского театра выступала на разных сценах, и лишь в 1825-м году обрела свой новый дом на Театральной площади. Проект того здания разработал главный архитектор Москвы того времени – Осип Бове. Здание поражало москвичей своими масштабами, и к театру прикрепилась приставка «большой» — «Большой Петровский театр». Он стал центром театральной Москвы того времени.

Вспыхнувший весной 1853 года пожар уничтожил его почти полностью. Обгорелые стены и колоны портика «украшали» площадь несколько лет. Но к коронации императора Александра II Большой театра восстановили в рекордно короткие сроки (полтора года!), и в августе 1856-го года он предстал в ещё большем величии.

Конкурс на восстановление театра выиграл главный архитектор императорских театров Альберт Кавос. Новое здание Большого существенно отличалось от предыдущего. Оно стало выше почти на 4 метра, на фасаде появился второй фронтон, конную тройку Аполлона заменила квадрига отлитая из бронзы. Этот облик театра сохранился до наших дней и известен сегодня всему миру.

Российские императоры жили в Санкт-Петербурге, но на коронацию, по древней традиции, приезжали в Кремль. Здесь, в Успенском соборе, проходило таинство венчания на царство, после которого император с гостями и свитой отбывали на торжественные празднования в северную столицу. После открытия нового здания Большого театра в 1856-м году было принято решение проводить празднования в честь коронации в Москве. В театре давали специальное представление к торжественному событию, а над входом в императорскую ложу размещали вензель нового императора.

Здание Малого: вчера

Изначально названия Большого и Малого театров писали со строчных букв – просто обозначали размеры зданий. Долгое время оба императорских театра соединял подземный переход, по которому артисты могли беспрепятственно передвигаться. Особенно это было удобно, если в один вечер артист должен был играть на двух площадках. Если спектакль драматической труппы, обосновавшейся в малом театре, больше подходил для сцены большого, то представление давали там, и наоборот. Часто можно было услышать: «Сегодня малый играет в большом».

Сейчас сцена Малого театра параллельна партеру, а раньше была расположена под наклоном к залу – для лучшего обзора. Из декораций были только расписной задний занавес и падуги, скрывавшие механизмы верхней части сцены. В антракте зал освещала огромная люстра со свечами, которая во время спектакля поднималась на специальный чердак.

В 1840-м к основному зданию пристроили новый зрительный зал и новую сцену, которые действуют и сегодня, а старые переделали под закулисные помещения.

Вид с Театральной площади на Лубянскую площадь (Малый театр слева),1880-1890. Фото: pastvu.com

В 1900 году актер, режиссер и реформатор отечественного театра Александр Ленский побывал в Германии. Увидев на одной из сцен в Германии поворотный круг, он загорелся идеей поставить такой же в Малом. Ему отказали: по предварительным подсчетам, стоимость работ была сравнима с годовым бюджетом всех императорских театров. Тогда Ленский переизобрел механизм, заручившись поддержкой опытного декоратора Карла Вальца. Механизм сохранялся до 1940 года.

В театре были две особенные ложи – портальная и центральная. До революции их занимали члены царской семьи, а потом – главные партийные деятели. С 1949-го по 1980-е годы купить туда билеты могли абсолютно все желающие. Сейчас нет: центральную ложу используют под светозвуковое оборудование, а портальную – только для высокопоставленных гостей.

Фото: mos.ru

Что посмотреть

Сейчас в Малом большая часть репертуара – классика, но так было не всегда. До советского времени там чаще показывали спектакли, рассчитанные на самую непритязательную публику: водевили, мелодрамы, комедии.

«Горе от ума» – визитная карточка театра. Это тот самый спектакль, в котором играл Александр Южин. Премьера состоялась в 1831 году, и комедия до сих пор не выходит из репертуара. Роль Фамусова в постановке Сергея Женовача исполняет сам Юрий Соломин. В спектакле использована музыка Михаила Глинки, Сергея Рахманинова и Александра Даргомыжского.

Постановки Малого театра неоднократно удостаивались премии «Золотая маска». В 2004 году ею наградили спектакль «Правда – хорошо, а счастье лучше» – за лучший актерский ансамбль. Пьесу Островского поставил Сергей Женовач. Главные роли исполнили Виктор Низовой, Евгения Глушенко, Людмила Полякова и Сергей Кагаков.

«Последняя жертва» – еще один спектакль по произведению Островского (постановка Владимира Драгунова). В 2006-м Василий Бочкарев, сыгравший купца Флора Прибыткова, получил за эту работу «Золотую маску». Его партнерами на сцене были Людмила Титова, Борис Клюев и Александр Ермаков.

Последнюю пьесу Мольера, комедию «Мнимый больной», в 2005 году перенес на сцену Сергей Женовач. Спустя два года ее наградили «Золотой маской» в номинации «Спектакль большой формы».

Все эти постановки можно будет увидеть и в следующем сезоне.

Фото: АГН «Москва»

Фото: mos.ru

Эскадрилья Малого театра

Памятная доска, посвященная жизни театра в годы Великой Отечественной войны, – первое, что видят зрители, сдав одежду в гардероб. Артисты Малого внесли свою лепту в Победу: одни отправились на фронт с оружием в руках, а другие показывал спектакли — в землянках, на палубах военных кораблей, в поле, в лесу. Бывало, что представление прерывалось сигналом к бою, и тогда зрители-солдаты поднимались с мест, а через какое-то время возвращались – те, кто мог. Артисты отказывались от премий, а на собранные деньги строили самолеты, которые называли эскадрильей Малого театра.

Еще во время войны у театра появился филиал – здание на Большой Ордынке. Первый спектакль – «На бойком месте» по пьесе Островского — показали 1 января 1944 года. Филиал работает и сегодня, часть спектаклей показывают там.

Фото: mos.ru

Самый знаменитый театр Москвы

История Большого театра начинается с даты 28.03.1776 г. Именно в этот день в Москве императрицей Екатериной II была подписана «привилегия» для князя Петра Урусова, разрешающая ему содержать театр в течение десяти лет. Назывался он сначала Петровским театром (в честь улицы, на которую выходил вход). В 1805 году здание полностью сгорает, архитектором Осипом Бове создается новый проект. В 1820 году начинается строительство, продолжающееся 5 лет.

Построенный театр стал больше, поэтому и получил такое название. Радовало это прекрасное, гармоничное, богатое здание жителей Москвы до 1853 года, когда случился второй пожар. На этот раз реконструкция была доверена архитектору Альберту Кавосу. Восстановлен театр был уже в 1856 году. Императорский Большой театр стал известен не только в России, но и в мире: здесь была великолепная акустика. В 1917 году после Революции, название было изменено на Государственный Большой театр. Убранство было дополнено советской символикой.

Он серьезно пострадал во время Великой Отечественной войны, приняв на себя бомбу. Здание снова реконструировали. До 1987 года постройка подвергалась только небольшому косметическому ремонту. Сейчас Большой театр – это здание с новой сценой, где можно использовать современные эффекты. В то же время, оно сохранило дух классической архитектуры, свою «фирменную» акустику, что дает ему право считаться одним из лучших театров в мире. Вот такая история у Большого театра.

И напоследок еще один, не менее интересный факт. Фильмы, действие которых полностью или частично происходит в театре: «Бердмэн», «Горе-творец», «Ла-Ла Ленд», «Призрак оперы», «Бурлеск сказки», «Нокаут», «Натыкаясь на Бродвей», «Черный лебедь», «Кукловод», «Ужасно большое приключение», «Влюбленный Шекспир», «Убийство в маленьком городке», «Набережная Орфевр».

История театра (драматического и остальных жанров этого искусства) будет развиваться и дальше, так как интерес к нему остается неизменным уже более двух тысяч лет.

Игрищный этап

Как и в Древнем Риме, история театра в России начиналась как не вполне серьезное занятие. Театральные представления назывались «потехами», а спектакли – «игрищами». Первое летописное упоминание о скоморохах относится к 1068 году. Стать таким развлекающим публику актером мог, фактически, любой человек. С точки зрения религии, деятельность скоморохов была постыдной. В летописях их называют слугами дьявола, а глумление, сатиру и ряженье – грехами. Острая сатира не приветствовалась церковью, однако, это никого особо не останавливало.

Искусством, угодным власти, скоморошество также не считалось, напротив, острые социальные темы сценок, высмеивание современных недостатков делали актеров опасными и вредными. Но народ любил наблюдать и смеяться над выступлениями скоморохов. Однако, следует понимать, что классический театр, каким мы знаем его теперь, вырос не из этих скоморошьих сценок, а независимо от них, даже, скорее, вопреки им.